<a name="_GoBack"></a> En mars, c’est le mois de la Francophonie. Le Mouvement Québec français des Laurentides (MQFL) veut profiter de l’occasion pour rappeler l’importance de la question linguistique au Québec. La langue est la richesse essentielle d’une nation. C’est son principal patrimoine. C’est par elle que le peuple québécois définit son identité, transmet sa culture et son savoir-faire. Il faut poursuivre nos efforts afin que la langue française poursuive sa pérennité au Québec. 
Le MQFL désire mettre en lumière les grands enjeux linguistiques en 2020. Le très grand défi de la francisation des nouveaux arrivants, la généralisation de l’affichage commercial en anglais et l’attrait omniprésent de la culture anglophone illustrent la fragilité du vivre en français au Québec. Ce sont là des défis qui font l’objet d’analyses et de commentaires depuis de nombreuses années. La volonté politique d’y remédier se manifeste rarement.
Le MQFL souhaite que le gouvernement pose des gestes concrets afin que le français soit la langue d’usage du travail, de l’enseignement, des communications, du commerce et des affaires.
À travers plus de 400 ans d’histoire, le Québec a su intégrer l’apport des autres cultures à la sienne tout en se préoccupant que le français, langue nationale, soit la langue de la cohésion sociale. Le Québec du 21e siècle, ouvert aux nouveaux arrivants avec leur langue nationale, se doit de maintenir cette cohésion sociale, au jour le jour, par la langue commune, le français.

Partant de ce constat, l’humoriste Laurent Paquin et le dramaturge Simon Boudreault (un artiste formé au Collège Lionel-Groulx, qui est aussi acteur et metteur en scène) ont concocté un objet scénique qui emprunte aux deux univers et qu’ils viendront présenter au Théâtre Lionel-Groulx, le samedi 29 février.
Le spectacle s’intitule On va tous mourir et se veut une enfilade de sketches (on en compte 17 qui sont livrés dans un feu roulant de 90 minutes, sans entracte), chacun abordant un aspect, une facette de la mort, de manière à composer un bouquet d’absurdités qu’on lui tend par pure bravade. Paquin et Boudreault, qui en signent les textes, y incarnent tous les personnages, dans une mise en scène de Serge Denoncourt.
De l’absurde au burlesque
C’est sur une patinoire de la LNI que les deux interprètes se sont croisés pour la première fois, il y a une vingtaine d’années, et qu’ils ont rapidement développé une bonne chimie, nous raconte Laurent Paquin. «On s’est rendu compte qu’on faisait un bon duo et on s’est dit que ce serait bien d’écrire quelque chose ensemble», dit-il. Il subsistait alors une question: oui, mais quoi?
Puisqu’ils aimaient tous les deux l’univers des Monty Python (qu’ils ont un peu croisé avec celui de Gilles Latulipe!), l’idée d’une mosaïque de sketches s’est imposée presque aussi rapidement que celle d’y placer la mort comme élément central. «C’est un sujet qu’on trouvait riche et surtout universel», poursuit Laurent Paquin, qui dit s’y être intéressé depuis presque toujours sans trop savoir pourquoi (la chose le hante peut-être parce que son père est mort assez jeune, soumet-il), mais en reconnaissant qu’il est à peu près impossible de ne jamais y songer.
De fait, puisque tout le monde y passe, chacun y pense et c’est cette diversité de points de vue qui a fait naître toute une galerie de personnages qui s’expriment allègrement sur la chose. Ils ont à peu près tous les âges, ils vivent à différentes époques et leur rapport à l’au-delà est éminemment pluriel: on y verra par exemple un écolier qui fait un exposé sur le décès de son hamster, un couple de personnes âgées qui s’interrogent à propos du paradis, les survivants d’un crash aérien, deux nigauds qui préparent un attentat terroriste, un philosophe grec qui réfléchit à la phrase lumineuse qu’il prononcera avant de mourir, bref, les deux artistes se sont amusés à examiner la mort sous toutes ses coutures, avec l’idée d’en rire, bien entendu, sans jamais s’éloigner de l’humain et des émotions que fait naître l’éventualité de disparaître à tout jamais.
La vérité dans le comique
«C’est pour ça qu’on a fait appel à Serge Denoncourt, valide Laurent Paquin. On voulait un metteur en scène de théâtre, un vrai directeur d’acteurs. On savait qu’on avait des textes absurdes, des personnages absurdes, dans des situations absurdes, mais on voulait aborder ça d’une façon théâtrale. En comédie, quand on joue vrai, sans essayer d’être comique, c’est là que c’est le plus drôle.»
Chose certaine, puisque le spectacle a été créé l’été dernier, dans le cadre du Festival Juste pour rire, et qu’il a été repris une bonne trentaine de fois depuis, on a acquis l’assurance que la mort est un thème plus facile à aborder qu’on ne l’aurait cru, un sujet anxiogène dans la vraie vie, mais dont le potentiel comique ne fait plus de doute.
Sur scène, les deux acteurs disposent d’une foule d’accessoires dont ils se servent pour faire évoluer l’action, laquelle s’installe dans un décor plutôt sobre, tout de même pourvu d’un écran qui accueille diverses projections, suggérant notamment les lieux, mais qui sert également pendant les très nombreux et très rapides changements de costumes. «Quand on sort de là, on est essoufflés et tout mouillés», atteste Laurent Paquin qui invite le public à voir un spectacle, dit-il, qui ne ressemble à rien d’autre: «Comme le dit si bien Serge Denoncourt, venez rire avec nous, venez faire un beau pied de nez à la mort!»
Information et billetterie: [odyscene.com].

On va tous mourir: aussi bien en rire…

Le spectacle, qui s’adresse aux enfants de 3 à 10 ans, porte le titre À travers mes yeux. Il a été présenté une trentaine de fois à la Maison Théâtre, et avec succès, nous confirme Hélène Langevin, directrice artistique de Bouge de là, et tout à la fois créatrice et chorégraphe de cet objet scénique qu’elle a conçu, dit-elle, en empruntant le regard de l’enfant, de manière à s’offrir la possibilité d’explorer son univers.
<h3>Un ballon, des tissus, des sons</h3>
«Au départ, j’avais demandé aux danseurs de jouer des enfants. En cours de route, en intégrant les éléments du décor, les costumes et les accessoires, cette idée-là a évolué vers quelque chose de plus abstrait» , explique Hélène Langevin. Un ballon, par exemple, devient un objet dont on explore toutes les possibilités, une clé ouvrant au moins une porte sur l’imaginaire de l’enfant. D’autres objets, des jouets ou des tissus auront ce même rôle d’alerter les sens et d’activer l’énergie brute de la création. Dans les yeux de la chorégraphe, il importait alors de voir ce que chaque objet (qu’il soit mobile ou intégré au décor) pouvait générer comme mouvement.
«Je demandais à mes danseurs d’explorer la matière nouvelle que leur environnement leur offrait. On allait d’une découverte à l’autre dans une dynamique proprement ludique» , résume la chorégraphe en annonçant un spectacle lumineux qui fait du bien à tout le monde, adultes et enfants confondus.
Dans cet univers dépourvu de rationalité, où chaque mouvement en provoque un autre, Hélène Langevin dit avoir travaillé sur des environnements scénographiques et sonores (un plancher quadrillé, par exemple, dont les parties s’allument en générant des sons), exploré la forme ronde dans toutes ses déclinaisons possibles (bulles, yeux, notes de musique, etc.), joué avec les ombres, les miroirs, avec les réactions provoquées par les différentes couleurs, bref, À travers mes yeux se veut un spectacle tissé sur le canevas des réactions sensorielles générées par la découverte du monde, à hauteur d’enfant.
<h3>La nécessité de bouger</h3>
«L’enfant s’y reconnaît tout de suite. L’adulte qui l’accompagne reconnaît son enfant, mais il éprouve aussi le même plaisir que lui au jeu de la découverte» , résume Hélène Langevin quant aux réactions du public et aux commentaires qu’on lui formule. Plus est, À travers mes yeux deviendrait un incitatif à danser et à bouger, à basculer dans l’imaginaire.
En revenant à la maison, l’enfant comme l’adulte se prêteraient au jeu et trouveraient une nouvelle façon de s’amuser avec le contenu du coffre à jouets. La danse mène à cette forme de poésie qui n’a pas toujours besoin d’une trame narrative construite et essentiellement logique.
«L’enfant, de dire Hélène Langevin, a besoin de bouger. Il faut lui donner l’espace nécessaire pour explorer le mouvement. C’est comme ça qu’il va grandir, développer son agilité, qu’il va apprendre à connaître son corps, à en découvrir les forces et les limites. C’est pour ça qu’il y a toujours une relation privilégiée ente la danse et l’enfant. Ça ne s’adresse pas à l’intellect. C’est le corps qui parle au corps. Et quand le corps se développe, l’intellect se développe aussi.» 
Ça peut passer par autre chose que la danse, mais c’est néanmoins le médium privilégié par Hélène Langevin qui adore les enfants, qui aime inventer des spectacles qui leur parleront, avec un langage qu’ils connaissent ou du moins qu’ils comprendront. «Venez, vous ne le regretterez pas» , promet-elle.
Pour accéder à la billetterie du Théâtre Lionel-Groulx, visitez le [<a title="Consultez notre site pour obtenir plus d'information" href="http://odyscene.com" target="_blank" rel="noopener noreferrer">http://odyscene.com</a>].

Mars est le mois de la Francophonie